1920’s entering the Modern Era

Although fashion history books generally speak about an era called the 1920’s, this period does not exactly match the chronological range of the decade. The stylistic origins that define the “1920s” begin earlier, circa 1918, with two key events: the end of the First World War, and the execution of the Treaty of Versailles (1919). The period ends in 1929, when consecutive years of prosperity, a hallmark of the decade, come to a sudden halt with the crash of the New York Stock Exchange, in terrifying day best known as Black Friday. This twelve-year span delivered the most radical window of experimentation in the history, and therefore the deepest transformation, in fashion design in Western Hemisphere. The underlying force pushing such changes was civil society’s resolution to break from the past: in short, to become deeply and irreversibly modern.

World War I was the agent of change that prompted such break. The war effort had exerted unprecedented demands on Europe and America, turning everyday life upside down. And, while conservatism and nostalgia briefly overtook western society’s need for immediate post war stability, the forces of change did not take long to capitalize on the optimism of the economic growth that was to follow.

“One must be absolutely modern,” wrote the poet Arthur Rimbaud in A Season in Hell, in 1873. This desire for modernity, as expressed by French poets in the middle of the 19th century took several decades to be fulfilled. This is certainly the case of modernity in fashion, since during that century and first years of the 20th century, it was not so important to be modern as much as it was being fashionable, two radically different concepts. The Western world had to wait the great shock that was World War I, in order to embrace the full concept of “being modern;” that is, to be fully immersed in living the present while developing a utopian vision of the future. A clear sense of purpose, of transforming and improving society, became the fundamental feature of being modern.

This mindset was instilled throughout Europe and America, altering forever the world of fashion. Following the seasonal developments and innovation in garments implied in the changes was no longer sufficient. The fashion world after the war became a visionary agent of cultural change for the betterment of society, and a tool aimed at representing new gender roles, while fulfilling the aspirations and objectives of women.

The dynamics of fashion emerged from a new woman demanding a different style, followed by novel designs that shaped a new woman. This unprecedented direction in the origination of designs, featured garments with simple patterns, easy to wear and maintain, with comfortable vestments that encouraged a dynamic and independent life in an urban setting; simply put, modern attire for a modern woman became the underlying and fundamental concept that defined this period.

 

These new forms find their origin in World War I. The integration of women into the labor force as replacement labor (to man exported to the war front), imposed the need for comfortable and practical designs. For the first time in many years, fashion embraced the dictum of form follows function, an idea that had had already been imposed from the end of XIX century in architecture and design, but few fashion designers (Redfern is one of the few examples) dared to apply it, particularly in a period of rigid conceptual schemes such as the Belle Époque. The difficulties and austerity of the war years shaped all design and manufacturing of apparel into a plain and functional process. The use of simple and durable materials made for easy upkeep, while plain patterns enabled faster rendering and production. Garments were made to be comfortable and designed for multifunctional use.

Once the war ended, the ideas underlying this methodology stayed, and were further developed as women resisted loosing their newly gained freedom and independence acquired in the daily life and garments of the war years. And while the post war economic recovery stimulated a return to ornamentation, it surfaced with a new vocabulary of orderly geometry influenced by Art Deco. The new prosperity allowed for the recovery of past protocols that impose different attire for diverse times and functions of daily life, however with minimal form and patterns.

The demand of simplicity and functionality will explain the absolute and incontestable triumph of straight lose shirtwaist dress, a piece that functions equally for the workday, afternoon and evening. Recurring patterns and identical shapes appear in a variety of materials, colors and ornaments that cater to specific functions or moments. The triumph of the short shirtwaist dress becomes so overwhelming that evening gowns follow similar patterns. This development marks the only instance in the history of the west where short dresses become the choice for formal evening gown.

The success of the shirtwaist dress is not simply due to its simplicity and rationality, but also because of its adaptation to the new standard of beauty that surfaced in this decade. If women of the Belle Epoque wanted to portray an image of respectability, decorum and decency, and through their attire represent an example of a good wife and mother, the ideal women of the time of jazz age broke away from such conventions, professing an image of youthfulness, simplicity and freshness. To such ends, jazz age women, covered up their chest, waist and hips, imposing a teenager, almost childish beauty, however embodied in an active, flexible, athletic physique: in one word, youth. In many occasions, this period featured an emphasis towards androgyny, an aesthetic that permeated fashion, given the masculinization of manners and protocols of women. Such novelty and innovation was continually confronted by stark conservative criticisms that wrongly insisted in labeling as masculine forms, objects and practices that were not.

Another key element of influence on the fashion world of this period was the democratization of western societies, equally affecting politics, economics, and all aspects of culture. The 1920’s paved the road for women’s right to vote, while social democracy began its representation of popular classes at national parliaments. In the field of fashion such democratization presented itself in two movements. On the one hand a much wider range of consumers from diverse socio-economic strata started to have access to fashion. This development encouraged a circuit of massive, cost effective serial production, which translated into lower prices at large retail stores. The new garments offered easy use, which meant the exclusion of an assistant or maid in each change of clothes, iterations elegant pre war woman were forced to execute throughout the day. The self-serving simplicity of use allowed social access and interaction to a dramatically higher fraction of the population. Elegance ceased to be an exclusive privilege of the higher echelons of society. Designers took interest in traditionally simple materials, commonly used by the middle and lower classes. By visually unifying and blending the aesthetic and visual elements of traditionally simple materials, fashion designers effectively narrowed pre-existing social gaps. The specific case of crochet, traditionally used by lower classes, or in underwear, took off as a material of choice after World War, in great part thanks to the work of designers like Chanel and Patou.

 

The 1920’s gave birth to a new relationship with the body, thanks in great part to looser mores. Prior to the war, for instance, public displays of physical affection were unacceptable. However, the imminent risks posed at the war front brought down these types of taboos. The Victorian morality had finally reached its end. Women began to show off body parts. The skirt’s hem progressively went higher, hitting the knee by the middle of the decade. Sleeves disappeared exposing the shoulders and pits, while the back is unveiled revealing the axis of the evening gown. A new sensuality was born.

Despite the massive cultural force behind these changes, not all women took kindly to all these novelties. Opposing the modern dress, with straight lines, the decade also featured its counterpart: the long dress with wide ruffled skirt supported by panniers, and a couple of basket shaped structures fixed to the hips. This ensemble formed a more traditional curvilinear silhouette that often resonated with aristocratic dresses from XVIII and other romantic dresses from the middle XIX century. Jeanne Lanvin and his Robes de Style will be the paradigm of this alternative push to extreme modernity.

The changes witnessed in fashion coincide with the emergence of a new ornamental style in the west, originating in the initial decades of the century, acquiring its definite identity in the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes of 1925, the event that marks the absolute triumph of Art Deco. This style synthesizes traditional concepts of object and ornament with new forms borrowed from artistic innovations of the avant-garde (mainly Cubism and Fauvism), and from the decor of ancient civilizations (China, Japan, India, Central and South America, Sub Saharan Africa, Oceania). The presence of Art Deco reaches fashion through its imposition in the ornamental motives of knitting. Such motifs appear in rigid geometrical shapes of highly saturated color and stark contrasts. The emblematic feature of art deco ornamentation throughout the period is the abundant use of sequins on evening gowns. Growth of industrialized production of plastic materials facilitated cheaper and lighter sequins; these found their way to the lining of evening dresses in a plethora of saturated designs. But this was not a naïve or innocent application of a novel material; designers looked to attract the reflections of electrical illumination of evening halls, wrapping a woman in a cloud of light that drew attention while highlighting the new sensuality.

New ways of living demanded new attire, and with new garments came new accessories. In addition the new cloche hats, small and adapted to new hairdo (women no longer carried enormous buns requiring tall hats as was the case in the beginning of the century), women used new shoes and bags. Since the lifted hem exposed the feet and lower legs, shoes took on an unprecedented protagonist role. New techniques of applying gold and silver lining in addition to sequins and crystals provided a luxurious and shiny look.

Innovative shoe shapes became commonplace. The emblematic example of new forms featured footwear with black leather ribbons that wrapped a1round the ankles. Purses grew in size and ornamentation: the modern woman found more things to carry (documents, make up, accessories). Cheaper plastic materials delivered first samples of imitation leather and fur (imitations of embossing cow leather or exotic fur from ostrich, crocodile or snake), making accessories of inferior quality, yet accessible to middle class consumers.

Discussions of about fashion during this exceptional period can not be complete without a reference to sport fashion. The practice of sports was highly demanded to fulfill the leisure time of middle and upper class citizens. Tennis, hiking, cycling, and specially swimming became the top sport disciplines. Tanning became as important as swimming, as tanned skin became a status symbol denoting those who could afford beach vacations or leisure time in the outdoors. Those of lesser means tried to compensate using solar lamps or tanning make up. Trips to the beach and the swimming pool became a true ritual, with fashion dictating the look of the bathing suit, multiple beach loungewear, (first time women are seen wearing trousers in public) and bath rob.

The crash of Wall Street in 1929 brought the end of the roaring 1920’s. Skirt and dress hems went back down, waistlines returned to their place: the rule of the jovial and independent women of the 1920’s came to sudden end, giving way to the new roles of the Great Depression. A more austere sensibility, but not necessarily more traditional, launched a new period of creativity in the history fashion design: the 1930’s.”

 

Aunque generalmente en los manuales de historia de la moda se hable de moda de los años 20, en realidad, este período no coincide exactamente con una década cronológica. El periodo empieza unos años antes, en 1918, con la firma del Tratado de Versalles y el fin de la I Guerra Mundial, y finaliza en 1929, cuando el período de expansión económica y bienestar social que caracterizó la década, acaba abruptamente con el viernes negro de la bolsa de Nueva York. Estos doce años van a ser uno de los períodos de más profundas transformaciones y más radicales experimentos de la historia del vestir en Occidente. Todo gracias a una premisa que en estos años se instala en la sociedad y alienta el cambio y la transformación: ser absolutamente moderno. 

La I Guerra Mundial fue el catalizador que consiguió poner esta reforma en marcha. El esfuerzo bélico puso patas arriba Europa y EE.UU. y, aunque en un primer momento, recién acabada la guerra, el conservadurismo y la añoranza del mundo desaparecido se instala en Occidente, pronto las fuerzas del cambio son las que moverían la sociedad, aprovechando el periodo de optimismo y bonanza económica de la década de 1920. 

“Hay que ser absolutamente moderno” escribió el poeta Arthur Rimbaud en Una temporada en el infierno en 1873. Sin embargo, esta ansia de modernidad que expresaban los poetas franceses a mediados del XIX tardaría varias décadas en verse satisfecha, al menos en lo que a la moda atañe, ya que a lo largo de ese siglo y de los primeros años del XX no era tan importante ser moderno como ir a la moda, dos conceptos radicalmente distintos. Habrá que esperar a la gran conmoción que supuso para la sociedad occidental la I Guerra Mundial para que “ser moderno”, es decir, ser totalmente del momento en que se vive y adelantar en gran parte lo que está por venir, con el objetivo de transformar y mejorar la sociedad, se implante en Europa y América y altere el mundo de la moda, tal y como hasta entonces se había conocido. Ya no solo hay que seguir el continuo cambio de la moda de temporada en temporada, la moda de este período debe colaborar y ser un elemento transformador que ayude a construir el futuro, debe convertirse en una herramienta para la mujer en la consecución de sus aspiraciones y objetivos, que transforme la sociedad.

La nueva mujer reclama una nueva forma de vestir, y una nueva forma de vestir que construye una nueva mujer. Vestidos sencillos de patronaje simple, cómodos, fáciles de poner, fáciles de mantener, vestidos que permiten una vida dinámica, independiente, urbana; en una palabra, vestidos modernos para una mujer moderna serán la idea que defina este período.

El origen de estas formas vuelve a estar en la I Guerra Mundial; la incorporación de la mujer al trabajo para sustituir a los hombres que iban al frente impone formas cómodas y prácticas. Así, por primera vez en mucho tiempo en el campo de la moda, la forma sigue la función; una idea que ya se había impuesto desde finales del siglo XIX en arquitectura y diseño, pero que muy pocos modistas (Redfern es uno de los escasos ejemplos) se habían atrevido a aplicar en una época de rígidos preceptos en torno al vestir como era la Belle Époque. Las penurias durante los años de la guerra hicieron que la indumentaria se simplificara en todos sus aspectos: materiales sencillos, resistentes y fáciles de mantener; patronajes simples y rápidos de confeccionar; prendas cómodas, prácticas, plurifuncionales que permitan su uso en múltiples ocasiones. 

Acabada la guerra, estas ideas se afianzarán y desarrollarán porque las mujeres no quieren perder la libertad adquirida en la vida y en la moda. Y si bien la recuperación económica permitirá por una parte la vuelta al ornamento, ahora definido por la ordenada geometría rectilínea y las influencias exóticas de culturas lejanas del Art Dèco, y, por otra, la recuperación del protocolo que impone vestidos diferentes para los distintos momentos del día; las formas seguirán siendo extremadamente sencillas.

La exigencia de sencillez y funcionalidad explicará el triunfo absoluto e incontestable del vestido camisero recto y suelto, que sirve para el día, la tarde y la noche. Patrones similares, formas idénticas que solo varían en materiales, colores y ornamentación en función del momento del día en que el vestido va a ser llevado. El triunfo del vestido camisero corto será tan absoluto que incluso los trajes de noche siguen su patrón, siendo el único momento de la historia del traje occidental en que se permite vestir de corto durante la noche. 

El triunfo del vestido camisero no se explica únicamente por su sencillez y racionalidad sino también por su adaptación perfecta al nuevo canon de belleza que surge en esta década. Si la mujer de la Bélle Epoque quería dar una imagen de respetabilidad, decoro y decencia, mostrando a través de su vestido cómo era un ejemplo de buena esposa y madre, la mujer ideal de la era del jazz huye de estos convencionalismos y pretende dar una imagen de juventud, sencillez y frescura. Para ello se disimulan el pecho, la cintura y las caderas, y se impone una belleza adolescente, casi infantil, pero en un cuerpo activo, flexible, atlético, en una palabra, joven. En muchas ocasiones, durante esos años se insistía en la androginia que dominaba la moda, ya que se veía cierta “masculinización” en el vestir y en las costumbres de las mujeres; en realidad estas críticas ocultaban un profundo conservadurismo que pretendía imponer modelos de mujer tradicionales y las novedades se tachaban de masculinas, aunque no lo fueran.

Otro de los aspectos fundamentales de la moda de estos años es la profunda influencia del proceso de democratización de las sociedades occidentales, un proceso que se produce de forma paralela en política, economía o costumbres y que influye también en la moda. Durante la década de 1920 el derecho al sufragio para la mujer se abre camino, y la socialdemocracia comienza a llevar las reclamaciones de las clases populares a los parlamentos nacionales. En el campo del vestir la democratización se efectúa en un doble movimiento. Por una parte, más y más capas sociales empiezan a tener acceso a la moda, la confección en serie comienza a abaratar el precio de las prendas que se adquieren fácilmente en los grandes almacenes. Los nuevos vestidos, además, son más fáciles de usar y poner; ya no es necesaria la intervención de una doncella en cada uno de los cambios de ropa que la mujer elegante se ve obligada a realizar a lo largo del día, y esto hace que mayor cantidad de población pueda participar de esta obligación social: la elegancia deja de ser un elemento exclusivo de las clases altas. Por otra parte, materiales tradicionalmente sencillos, empleados por las clases medias y bajas, comienzan a ser usados por los grandes diseñadores, que acercan visualmente clases sociales que anteriormente presentaban diferencias abismales. Es el caso del punto, tradicionalmente usado por las clases populares o en la ropa interior, y que a partir de la I Guerra Mundial comienza generalizarse gracias al trabajo de diseñadores como Chanel o Patou. 

Los años 20 suponen así mismo la aparición de una nueva relación con el propio cuerpo, gracias a una nueva moralidad, más laxa y relajada. Antes de la guerra, por ejemplo, resultaba escandaloso que un hombre y una mujer se besaran en público, pero ante el peligro de muerte que suponía acudir al frente, comenzaron a caer ese tipo de tabúes. La moralidad victoriana había acabado definitivamente. La mujer comenzó a mostrar partes de su cuerpo que nunca antes se había permitido enseñar. Los bajos de la falda suben progresivamente hasta rozar la rodilla a mediados de la década, las mangas desaparecen y se muestran las axilas, la espalda se descubre y se convierte en el centro fundamental de interés de los vestidos de noche. Una nueva sensualidad, realmente moderna, se abre paso.

Sin embargo, no todas las mujeres aceptaron de buen grado todas estas novedades. Frente al vestido moderno de líneas rectas, durante toda la década se mantiene un vestido largo, con faldas de amplio vuelo soportadas por unos panniers, una pareja de armazones con forma de cesta que se fijaba a las caderas, lo que daba a la silueta una forma curvilínea más tradicional, que entronca a veces con los aristocráticos vestidos del XVIII y otras con los vestidos románticos de mediados de siglo XIX. Jeanne Lanvin y sus Robes de Style serán el paradigma de esta alternativa a la rabiosa modernidad.

Todas estas novedades en el campo del vestir se dan al mismo tiempo que surge un nuevo estilo decorativo en el repertorio de Occidente, generado también lentamente desde las primeras décadas del siglo, y que adquiere su carta de naturaleza definitiva en la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de1925, que supone el triunfo absoluto del Art Dèco. Este estilo, que conjuga sabiamente concepciones tradicionales del objeto y el ornamento con formas novedosas resultado de la adaptación de las innovaciones de las vanguardias artísticas (fundamentalmente el Cubismo y el Fauvismo) y de los repertorios decorativas de civilizaciones antiguas (China, Japón, India, Mesoamérica, Sudamérica, África Subsahariana, Oceanía) se impone también en los motivos ornamentales de tejidos y vestidos. Formas muy geometrizadas, de colores muy saturados, con grandes contrastes, pero, si hay algo que caracteriza la ornamentación de esta época es el uso abundante de lentejuelas en los vestidos de noche. La fabricación cada vez más abundante de plásticos permite abaratar las lentejuelas, que cada vez son más ligeras, y se aplican en abundancia en la gasa de los vestidos formando todo tipo de motivos. El uso de este material no es en absoluto inocente; busca el juego consciente de la iluminación eléctrica de los locales de fiesta, envolviendo a la mujer en una nube de luz y reflejos, que llama la atención.

Nuevas formas de vivir exigen nuevos vestidos, y también nuevos complementos. A parte de los novedosos sombreros cloche, pequeños y adaptados a los nuevos peinados (las mujeres ya no llevan grandes moños en los que sujetar los grandes sombreros de principios de siglo), las mujeres estrenan modernos zapatos y bolsos. Nuevos zapatos porque, al subir el bajo de la falda, estos adquieren un protagonismo como no habían tenido antes. Las nuevas técnicas de dorado y plateado, junto a la incorporación de lentejuelas y cristales les dan un aspecto suntuoso y brillante. Las formas también son novedosas, siendo típicos de este momento los zapatos con una cinta de cuero alrededor del tobillo para que se sujeten mejor al pie. En cuanto a los bolsos, crecen en tamaño, porque cada vez son más las cosas que una mujer debe llevar consigo (documentos, maquillaje) y en ornamentación. Los nuevos plásticos hacen aparecer los primeros cueros y pieles falsos (imitaciones de cuero de vaca repujado, o exóticas pieles de avestruz, cocodrilo o serpiente), ahora mucho más asequibles para las clases medias pero de una calidad muy inferior.

No se puede hablar de la moda de estos años sin hacer una referencia a la moda deportiva: la práctica del deporte se convierte en una exigencia en el tiempo de ocio de las clases altas y medias: tenis, montañismo, ciclismo y especialmente natación. Tan importante como el baño era el bronceado, un símbolo de estatus que solo podían mostrar aquellos que se podían permitir unas vacaciones en la playa, aunque los menos afortunados ya podían utilizar lámparas solares o maquillaje bronceador. Los años 20 hicieron del baño en la playa o la piscina un auténtico ritual y, junto al bañador, multitud de pijamas para playa, monos playeros (la primera vez en la que permitió a la mujer llevar pantalón en público), albornoces.

El crash de Wall Street de 1929 supuso el final de “Los locos años 20”, los bajos de la falda cayeron, las cinturas volvieron a su sitio y se marcaron con intensidad, y el reinado de la jovial mujer de los 20 llegó a su fin. Una moda más austera pero no necesariamente más tradicional abría un nuevo periodo de la moda: los años 30.

 

Rodrigo de La Fuente

Museo del Traje, Madrid

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